奥蒂诺·雷东(OdilonRedon，--)
奥蒂诺·雷东(OdilonRedon，--)与摩劳同为法国19世纪末象征主义画派的主要画家。法国象征主义画派的三大代表之一。
雷东于年4月20日生于法国南部的波尔多，因为体质孱弱，出生两天后便交给波尔多郊外的保姆抚养。
少年时代性格孤癖，喜欢独自其想。
年普法战争中，雷东从军作战，但不久即病例，病中受科罗的影响，开始作风景画，并向版画家布雷斯丹和折衷主义画家热罗姆学习绘画。
直到年他39岁的时候，才开始决心从事绘画；他的美学思想，主要来自象征主义文学家和诗人马拉美等人的作品。
他认为绘画主要是想象的结果，
而不是靠视觉印象的再现。
因此，他反对印象主义的色光追求，
而致力于表现现实世界中
根本不存在的鬼怪幽灵和幻觉形象。
雷东的创作生活可以分为两个阶段：
第一阶段从年至年，
主要从事石版画创作。
主要作品有《在梦中》()、
《埃雷东：本》()、
《起源》()、
《戈雅颂》()、
《夜》()、
《圣安东尼的诱惑》()等石版画组画。
在这些作品中，
雷东以丰富的想象力，
创造了许多离奇的、梦幻的形象，
例如在卵中孵化出来的诗人，
夜空中同月亮在一起的眼睛、
吞噬生灵的怪蛇、
展开双翼的马…等等。
《森灵》
评论家把这些作品
称为是超现实主义和达达主义的先驱。
因为这一时期的作品
均为黑色石版画，
所以被称为"黑色时期"。
《瓶花》
雷东创作的第二阶段
是从年开始直至去世。
大约在创作版画组画《圣安东尼的诱惑》第二集时，他开始画油画和粉笔画作品，内容多为盛开的花朵和简炼的佛陀头像，那纯令鲜艳的色彩同他的版画相比判若两个世界。尤其是粉笔画，是雷东艺术的一大特色。 粉笔画(英语Pastel)是从古代文艺复兴大师们使用红垩笔、白垩笔作画的方法发展而来的。在18世纪开始有多种色彩的粉质画笔，19世纪后期这种材料已普遍流行，印象派画家雷东、劳特累克等人均擅长此法。它是在各种色泽的、表面肌理有绒质效果的特制画纸上用粉质的多种色彩的粉笔作画，由于质地效果很美丽，使画面产生天鹅绒一般柔和的效果。同时，它不必再携带画笔，调色板和水(或油)壶，使用起来十分方便，因此特别适合于现场写生和速写，很受19世纪末画家的欢迎。雷东的许多重要作品均以粉笔画完成。
例如《向达·芬奇致敬》、
《显灵》()、
《潘多拉》()等。
他的《瓶花》是有一定代表性的。此画作于雷东逝世前两年，白色的花瓶上，插着一束品种杂杏、色彩鲜明的野花，画家排除了光照的作用，把鲜艳的各色花朵，以强烈的固有色展现在人们面前，这在讲求光线和补色作用的写生画来说，是非常新颖的创造。雷东之所以画花，是他从花看到人，他说"花朵和人的面孔一样，一朵就是一个谜"，"它是灵魂的反射。"从这幅画中可以看到雷东的这种追求。各色各样的花朵，在画面上被处理得如此和谐、协调，似乎组成一曲交响乐的各个声部、各种乐器发出的谐和柔美的曲调一样，因此，也有人把雷东称做"神秘的色彩作曲家"。后期雷东的艺术中，十分喜欢描绘花卉题材。这反映了他把自己的心灵深深地陶醉与沉浸在自然和宁静之中。 雷东献给诗人艾伦·波的组画()可以说是视觉造型的诗篇，展现了诗人痛苦的内心世界，这也是一个没有光照、没有时间的黑夜王国。由于雷东差不多完全以单色作素描和版画，所以他后来的色彩画能达到非常简练的程度，甚至几乎没有真实的背景。AuricularCell26.9x25.1cm
现收藏于：ArtInstituteofChicago,Chicago,IL,USA
雷东从年直到他50岁的时候，
他一直只用黑白两种颜色作画，
他的木炭素描和平板画
发展了一种非常独特的风格，
画面带有强烈的梦幻色彩，
人体或者人体的某一部分被和植物，
动物或者诸如此类的东西揉合在一起。
年之后，
雷东开始转向油画创作，
并展现出了他善用色彩的一面。
雷东的作品在当时的法国艺坛独树一帜，
那个时候是印象主义全盛时期。
印象派追求的是光色效果和一种纯粹的对客观的描绘。
但是雷东很显然更加关心自己的内心世界，
这和以后的现代主义运动不谋而合。
雷东的作品可分为两部分，早期主要是黑白画，这些黑白画包括素描和版画。直到年以后，他的作品才受到人们的注意，尤其是高更影响下的纳比派艺术家的注意。
正是在他们的影响下，从大约年起，雷东开始认真对待起色彩来。
这时的色彩较他早年零零星星画的一些色彩画更加成熟。
由于色彩的明亮，画面的气氛也发生了戏剧性的变化，主题也从凶险的梦魔转向了快乐和乐观。
尤其他很少使用油画而采用色粉笔这种18世纪画家用于画那种轻松题材作品的材料，不过，这种材料一经他的转换便产生了另一种效果。
花中的奥菲利亚
《花中的奥菲利亚》来自莎士比亚戏剧的一个悲剧主题。作品虽神秘而给人以遐想，美丽而制作精美，但却并非是最初的构思。
从作品的结构看，好像最初作者只是画了一幅花卉静物，一只蓝色花瓶放在褐色的台子上，后来雷东根据他的想象把画侧横过来并加上了奥菲利亚的侧面像。这样，整个画面便产生了某种奇异的幻觉效果。
我们在《花中的奥菲利亚》中看到，在一个抽象的背景中奇妙地涌现出一丛鲜花。它们既有植物的特征又似乎并不生存在真实的世界中，大面积的抽象平涂色给人产生了空间的联想，尤其在下角突然出现的象征性的人头更给画面带来了神秘色彩。将人物与植物对立，并用美丽而轻松的用色创造一个超现实的氛围正是雷东晚年的特色。
《奥菲利娅》
《女武神》
雷东是法国画家，生于波尔多，
19世纪末象征主义画派的领军人物。
被德尼比作"画坛的乌拉梅"。
雷东在美学上主张发挥想象而不依靠视觉印象。
有着天生的音乐感受力，
又受象征派诗人影响，
还对生物学有研究，
多方面的修养使他的作品
自有一种诗意和典雅的气息。
雷东始终坚持他的艺术想像
是扎根于观察自然之中的。
按照他的说法：
“我的全部独特之处，
就在于使那些被似乎是真的法则
认为不真的人们人道地生活，
尽可能地使可视的逻辑为了可视服务。”
他唯一追求的是通过华丽强劲的颜色
或最温和的黑白对比来进行自我表现。
在谢林的同一性哲学里，
精神和自然被理解为它们原初的同一。
在此艺术被赋予了体现绝对的同一性
(或取消精神和自然的相互对立)的神圣任务:
艺术作品是无限的有限表现。
在谢林的《先验唯心论体系》中，
艺术因此被提升为
“唯一真实和永恒的工具，
它始终不懈地证明哲学所不能表现的，
在活动和作品中的无意识，
以及它的原初和意识的同一。
因此，对于哲学家，
艺术是座高峰，
因为它在某种意义上
显现了什么是最圣洁的，
什么是在永恒和原初的同一中燃烧的，
什么是在自然和历史中被分离的，
以及什么是在生命和活动中，
也在思想中，
必须永远寻求彼此的逃离”。
最终，谢林把现实的整体性
作为艺术作品，
从而我们在《体系》中读到，
“客观世界是仅仅原初的，
仍然没有意识到精神的诗”。
“我们所谓的自然是一首诗，
它写在一个神秘的、
不可思议的文本上。”
毋庸置疑，在谢林之后，
我们在尼采哲学中
找到了对世界观的美学化的
最富有意味的表达。
首先，叔本华哲学
对尼采的影响至深，
尼采不仅把一种治疗法师的能力，
即能让艺术家融入原初的统一
的能力归于艺术，
而且认为现实整体
是一部自我创作的艺术作品。
《热气球》
尤为突出的是，
在尼采哲学的效果历史里，
世界观的美学化
在20世纪哲学中得到延续。
Via.OdilonRedon
梅吉尔在《极端的先知:
尼采、海德格尔、傅科、德里达》
一书中论述到，后面三位
也可以看作浪漫主义构想的承袭人，
但是他马上指出，
这些思想家的美学哲学
不再承接着艺术协调，
创造统一的功能的信仰，
而是相信现代文化
发现自身处在无法克服的危机之中。
在此意义上，
根据梅吉尔的观点，
在19世纪浪漫主义，
比如谢林和他们20世纪的承袭人之间
有一个巨大的裂口。
《独眼巨人》板上油画64×51cm
奥特卢克洛勒—穆尔博物馆藏这幅《独眼巨人》属于雷东第二时期(色彩发现时期)的佳作之一。据希腊神话说，独眼巨人库克罗普斯被乌拉诺斯关在地下。后来克洛诺斯在独眼巨人的帮助下取得统治宇宙的权力，可是他又害怕巨人的野蛮力量，于是又给他钉上镣铐。宙斯将独眼巨人释放，并成为赫淮斯托斯的助手。画上这个巨人正从地下爬起，他在觊觎深埋在地层里的生命——一个裸体女性的形象。她是欢乐的象征，但还未苏醒，仿佛尘世间所有的力量都在欢迎她，也包括这个独眼巨人。巨人的野蛮并没有掩饰他的欲望、他的本性。这幅画介于真实与虚幻之间，是一种晦涩的歌颂性欲与生命的象征。
然而，与梅吉尔的观点相反，
我认为对危机的意识
早已内在于浪漫主义的构想之中。
浪漫主义对于艺术协调功能的狂热，
只是浪漫主义的渴望中的一方面而已。
而与绝对相关的浪漫主义渴望
实际上非常明显地伴有这种意识，
即从根本上来说，
这种渴望是不可能实现的。
例如，席勒指出，
尽管他认为理论和实践理性之间审美的和谐，
是以一种未经反思的方式
体现在素朴的希腊艺术家身上，
但是这样的统一对于现代个体来说，
却是不再可能的。
席勒所说的感伤的现代艺术家
充其量只能希望接近这种统一，
就像病入膏肓的人希望重新康复一样。
在《论素朴和感伤的诗》里，
席勒谈到希腊人时说:
“他们是我们曾经是，
也是我们必须再次成为的人。
几个世纪以来，
我们在他们身上看到了我们所不是的，
看到了我们坚持不懈地要努力成为的，
看到了我们永不能成为的，
然而我们却希望在无止境的努力中接近的。”
与此相关的是，
在一个注明是年的纲领性的片段里，
施莱格尔提出浪漫主义的构想
实际上是一种永远的构想。
启蒙思想把无限看作有限世界内在的潜能，
是某种可能在未来实现之物，
而与启蒙思想相反，
浪漫主义者认为，
无限是一个真实的无限，
它断然决定了我们的思想和行动，
而我们实际上无法实现它。
尽管在努力追寻绝对这一点上，
德国浪漫主义者感到他们自己
和唯心主义的形而上学者们紧密相关，
但浪漫主义的构想
却因为意识到这个构想根本上无法实现，
从而在根本上不同于黑格尔的绝对理念。
诚然，施莱格尔提到了无限的历史的前进，
但同时这种前进以一种吊诡的方式
被理解为循环反复的。
对他来说，这使得现代欧洲历史
成为一种无法完结的进程。
很明显，这种洞见
会引发一种乡愁式的感伤情怀，
尤其当人们，
如席勒所说的那样，
怀有一种在那幽远时代，
和谐曾建构了现实的假想时。
正如后来尼采所说的那样，
当原初的和谐
被理解为在事实上是一种历史虚构时，
浪漫主义的渴望就灰飞烟灭，
成为昏昏欲睡的消极被动
和近于疯癫的悲观主义，
然而，这种反应
并非最具代表性的浪漫主义的生活态度。
年起，雷东的画作出现本质上的变化。此时的艺术家已近五十岁，三年前，他婚后七年出生的第一个孩子在六个月大的时候夭折。雷东写下了无数披露自己心情的辛辣文章，写下了作为一个父亲所体验到的感情狂澜。
我们知道他的婚姻，照他自己的话来说：“它甚至比我要做画家的认识更为明确。”如今，年的4月30日，他的第二个儿子阿里降生，笼罩在他心头整整两年半的阴云终于迎来了曙光。“太美好了！”，他这样告诉自己的母亲。从如此简单的一句话里我们能看出那是怎样的一种欣喜与期待啊。
黑色时期让雷东总结了自己的过去。这些画是留给别人去欣赏的，留给他自己的只有苦涩的阴影。而如今，难道他还要用如此离奇如此痛苦的绘画来献给他那刚出生的儿子吗？当然不是。于是，他的画布上出现了从未有过的火热的色彩和明亮的阳光。蜡笔成为他这个时期的主要作画工具。“被打开的生命里也会有快乐的片段”，这就是画家当时的心境。
阿波罗战车
《阿波罗的战车》就是这个始料不及的变化的一种象征，同一主题他绘制了许多幅作品。他最初是在年发现这一主题的意义的，在观赏了德拉克洛瓦为罗浮宫的“阿波罗厅”所作的巨型天顶画之后。这幅作品深深地影响了他，“它是光明针对黑暗的胜利。是在黑夜的暗沉与悲伤中幸存下来的白昼的欢愉。”德拉克洛瓦在画中描绘了战车、骏马、巨蛇和其他一些事物。但是雷东的画里没有那么多东西，画面内容的经济节省也证实了他的现代性。
当浪漫主义者
洞察到浪漫主义渴望无法实现时，
其最典型的反应是它根本性的反讽。
在论述浪漫主义艺术时，
施莱格尔谈到了
“在狂热和反讽之间永恒的彷徨。
反讽，首先是一种驱除昏昏欲睡的消极被动的威胁的手段:
渴望的无法实现是人类和世界打交道的特征，
而浪漫主义者以反讽视之，
从而能够怀有渴望
而不陷入与之相连的绝望之中。
端午节的思念……
我们真的知道自己是谁吗？
他就是村上隆！
他就是J.CLeyendecker·美国黄金时代的插画家
徐彬xubin你我之间，艺术人生，祝福你！
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